Sob à direção de Bruno e Lucas Miranda, a Orquestra & Banda Cordas & Acordes vem oferecer os serviços de Música Ao Vivo Para Casamento, Bodas, 15 anos, Formaturas, Aniversário, Eventos Corporativos, Solenidades e Festas em Geral. Com a qualidade que Todos já conhecem e com novas idéias e investimentos para abrilhantar ainda mais o seu dia tão especial.

quarta-feira, 12 de dezembro de 2012

Violino - Regulagem do Cavalete


                              Regulagem do Cavalete
 
 
 
 
 
 
Se existe um instrumento que requer alguma sensibilidade, precisão e cuidado redobrado é o violino, tanto na hora de guardar, o verniz, que geralmente em lacca, pode rachar com o tempo se não cuidado, a alma que pode soltar com as cordas soltas, que pode ser um problemão colocar no lugar, e se colocado no lugar errado pode “danificar” o som do violino, as cravelhas sem ajuste impedindo a afinação, pestana torta, cordas altas, espelho desalinhado, entre outras coisas.
Primeiramente devemos ajustar o cavalete de acordo com as dimensões do espelho e o tampo do violino, para isso precisaremos de um cavalete, se optar pode também comprar um novo, uma régua milimetrada e ou uma ferramenta de medidas com maior precisão, uma lixa grossa para dimensionar a madeira, o que pode variar de acordo com a madeira, e uma lixa fina para acabamento, um estilete e um lápis bem apontado ou uma lapiseira. Pode começar a treinar isso em um cavalete de baixo valor, antes de começar a usar essa técnica em cavaletes de violinos mais valiosos.
 
Primeiramente vamos ajustar o cavalete ao tampo do violino da seguinte forma, com a lixa grossa, escolhi uma lixa 120, com um tamanho um pouco maior do que o cavalete, apaioado sobre o tampo do violino bem na direção onde o cavalete é fixado, lixaremos a base do cavalete com movimentos leves, com pequenas pausas para ver como está, até que a base do cavalete se encaixe perfeitamente ao tampo. O cavalete deve ficar sempre perpendicular ao tampo.
 

Agora vamos ajustar a curvatura do cavalete de acordo com a curvatura do espelho. Para isso usaremos o lápis posicionado sobre o espelho, riscando o cavalete como na imagem abaixo, mantendo o lápis sempre paralelo ao espelho, para não haver erros. Reforce bem o risco.
 
Faça uma pequena marca na metade da cruvatura.
 
 
            A partir desta pequena medida, faça marcas à 6mm de cada lado das marcas, e depois 12mm ao lado das marcas anteriores, acima dessas marcas faça medidas com as seguintes distãncias, corda G(sol) 3mm, corda D(ré) 2mm, corda A(lá) 1mm e corda E(mi) 0mm. As medidas podem ser modificadas de acordo com violinista, pode-se acrescentar 1mm a cada corda para ter um cavalete mais alto por exemplo. Logos depois ligue os pontos encontrados e faça uma nova linha, uma nova curvatura com as novas medidas acima da outra reforçando bem a linha.
 
Use o estilete para esculpir a madeira, e deixe um pouco acima da linha, para ser finalizado com a lixa grossa, lixe até a linha, lixe o lado riscado até atingir a espessura de 1 mm em cima e 4 mm embaixo, com o estilete faça pequenos sulcos onde as cordas são apoiadas, na espessura das cordas que irá utilizar.
 
Use a lixa fina, 400 ou de número maior, para fazer um acabamento arredondando as quinas para uma melhor aparência, em seguida passe o lápis entre o sulcos onde são apoiadas as cordas, pois o grafite é um ótimo lubrificante, diminui o atrito, ajuda na afinação e dá longevidade à ambos. Cole um pedaço de couro fino no sulco da corda E(mi), pode ser usado pele de carneiro, cabra, mesmo material usado em caixa acústica de percussão, ou utilize um cavalete com reforço de outro tipo de madeira mais dura nesta corda
 
E por fim temos o cavalete regulado conforme o processo.
 
Espero ter ajudado de alguma forma
 
Adriano D. Alberge
 
                            

terça-feira, 30 de outubro de 2012

Violino - O rei de Todos os Instrumentos



A origem dos instrumentos de cordas friccionadas está ligada ao surgimento do arco (Instrumentos de cordas dedilhadas são certamente o tipo mais antigo), e é possível que sua utilização inicialmente tenha se dado com a simples fricção da vara de madeira sobre as cordas. A utilização da crina animal aparentemente não faz parte deste primeiro estágio de sua construção e, até os dias de hoje, não foi possível encontrar indícios sobre o uso do arco na música da Antiguidade Clássica. Admite-se, no entanto, que o arco tenha sido importado da Ásia pelos árabes ou pelos povos nórdicos. Sobre sua evolução, se ela haveria ocorrido no norte da Europa, Oriente Médio, Índia ou Ásia Central, pouco se sabe. O mistério permanece... Talvez o arco tenha surgido em vários lugares, assim como ocorreu com várias das grandes descobertas fundamentais da humanidade!

Desde o século XI encontram-se na Europa os dois tipos principais de instrumentos a arco:

  • instrumentos cuja caixa de ressonância é piriforme (semelhante ao formato de uma pera, abaulados).
  • instrumentos de corpo plano, oval ou elíptico, cujo tampo, pouco abaulado era ligado ao fundo por peças laterais.
O ravanastron (instrumento que teria pertencido a um rei indiano, 5 mil anos A.C), o rabab ou rebab (Instrumento muito antigo, utilizado principalmente na Pérsia, Arábia e Norte da África) a rabeca (instrumento medieval da Europa meridional, cuja utilização se deu a partir do contato com mercadores e artistas muçulmanos; também conhecida na França pelos nomes de rubebe, rebel ou rebec...) e ainda muitos outros instrumentos mais ou menos rudimentares, porém muito antigos, são considerados precursores do violino.

O rebab raghrébin (ao meio, com o arco) deu origem, na Europa, à rabeca (à esquerda em primeiro plano). O tipo mais antigo apresenta ainda orifícios redondos; posteriormente os orifícios adotam a forma em “f” (ao fundo, do lado esquerdo da imagem). A viela (à direita), representava, ao lado da rabeca, o segundo tipo medieval fundamental. As quatro cordas e os orifícios em forma de “f” testemunham desde então a influência sobre a construção do violino.

Na Idade Média, desde o século XI encontram-se na Europa a viela e a rotta (do original em italiano), uma simples representação da cítara antiga: a fim de a utilizar como instrumento de arco e de reproduzir diferentes sonoridades com o efeito de se encurtar o comprimento das cordas, foi colocada uma peça lisa de madeira (no violino, viria a ser conhecida como “espelho”), entre a caixa de ressonância e a barra transversal superior da cítara.
Ao longo dos séculos X e XI,a rota já havia se disseminado por toda a Europa Central (como o testemunha nossa iconografia), e veio a ser suplantada pela viela somente no século XII. A partir daí, surgem outros pequenos instrumentos apoiados sobre o ombro esquerdo ou contra o peito do instrumentista, e não mais unicamente sobre os joelhos, como era habitual.
A partir do século XII encontramos uma forma ligeiramente “chanfrada”, semelhante à do violão moderno, e que representava a última fase de evolução da viela. Já na Idade Média, este instrumento passa a ocupar um lugar preponderante, o que pode ser explicado por sua maneabilidade, alcance sonoro, bem como a possibilidade que ele oferece de produzir facilmente uma grande variedade de notas.
O número de cordas passa logo de uma ou duas, para três ou quatro. Desde o início do século XII, encontra-se a forma clássica da viela a cinco cordas, que se conservará até o século XVI. Pouco a pouco foram introduzidas as madeiras laterais, a fim de se melhor utilizar o arco. (...) De certa forma, gradualmente estes instrumentos de cordas típicos da Idade Média passam a dar lugar à Viole de la Renaissence (viola da renascença), de início construída com um furo redondo no tampo superior que, pouco a pouco, se transforma em dois orifícios em forma de “C”.

Antes mesmo do ano de 1500 aparecem diversas combinações destes tipos primitivos citados até aqui: três outras famílias de instrumentos, a saber, a Viola da Gamba, a Lira da Braccio e a Viola da Braccio, e é desta última família de onde surgirá o violino.
A Viola da Braccio resulta da redução do número de cordas da viela (a três ou quatro), da adoção do cavalete, das cravelhas laterais, assim como, a afinação em quintas, que são características da rabeca e que melhor convêm a pequenos instrumentos de braço, uma vez que permitem uma melhor maneabilidade e utilização dos quatro dedos da mão, aumentando assim a extensão do número de notas. Percebe-se que as laterais são muito mais baixas que as da Viola da Gamba e suas curvas se tornam mais acentuadas. Quanto aos dois orifícios, que no início eram ainda na forma de “C”, adquirem rapidamente a forma “f”, assim como se vê nos violinos.

É desta forma que, ao longo de séculos, o violino propriamente dito vai adquirindo sua forma. Como é possível constatar, suas origens são muitas; cada uma de suas partes é resultado de um processo evolutivo, de maior ou menor complexidade, cujo início é difícil de se determinar; cada uma de suas partes tem, portanto, sua história. Instrumento de genealogia caótica, o violino é um “todo em si mesmo”, reunindo em um só instrumento muitos destinos...



Apogeu
Em que momento o violino se separa da família da Viola da Braccio? Difícil dizer...
A terminologia permanece, desde muito tempo, hesitante e o termo viola era freqüentemente usado tanto para designar o Soprano quanto o Alto nesta família de instrumentos. Na língua italiana encontramos as expressões “Viola da Braccio Senza Tasti”; em alemão “Geige”; em francês “Vyollon” (em 1523) e “Violon” (em 1556). O termo “Violino” aparece na Itália em 1538 e “Violin” na Inglaterra somente em 1572. Os nomes dos mais antigos construtores de violinos são em sua maior parte desconhecidos; o que se sabe, porém, é que estes também eram construtores de Alaúdes (Alaúde em francês = Luth; daí o termo Luthier, que designa o construtor deste tipo de instrumento). De outra parte, sabe-se que não era incomum que os próprios músicos construíssem seus instrumentos de cordas. O mais antigo documento que cita a construção de instrumentos como profissão independente surge em Paris, onde, em 1292, são registrados os “féseurs de vielles” (construtores de Vielas).
O surgimento do violino em sua forma definitiva se situa entre 1520 e 1550, no norte da Itália, tendo a cidade de Milão como centro. Dentre os primeiros lutieres, desta região, citamos Giovan Giacomo Dalla Corna (1484-1530) e Zanetto de Michelis da Montechiaro (1488-1562) de Brescia, que construíam Alaúdes, Liras e instrumentos semelhantes (como está claro, não se tratavam de construtores de violinos).
Itália Violino.jpg
Dentre os instrumentos cujas datas são conhecidas, temos dois violinos de Andrea Amati (nascido entre 1500 e 1505, morto em 1576 em Cremona), construídos entre 1542 e 1546 que, de forma primitiva, possuíam apenas três cordas. Somente a partir de 1555 encontram-se documentos que provam a existência do violino a quatro cordas (o primeiro a quatro cordas de Amati data justamente deste ano de 1555). O ano de 1560 remonta à grande encomenda feita pelo rei da França Charles IX a Amati, encomenda que contava com 38 instrumentos, sendo 24 violinos, 6 violas e 8 violoncelos; dois destes instrumentos se encontram atualmente no museu Ashmolean em Oxford. Os Estados independentes do Norte da Itália mantinham estreitas relações políticas com a França desde o reinado de Fraçois I (cujo reinado data de 1515 a 1547) o que explica a encomenda feita a Amati e a rápida expansão do violino neste último país.
A famosa Escola de Cremona se perpetua com Antonio Amati (1555-1640?), Girolamo Amati (1556-1630) e o filho deste último, Nicola Amati (1596-1684). Em Brescia, o primeiro grande mestre foi Gasparo de Bertolotti da Saló (1540-1590). Giovanni Paolo Maggini (1580-1632) foi seu aluno mais importante. A Escola de Brescia declina após Maggini, ao passo que Cremona conserva seu incontestável primeiro lugar. Os alunos de Nicola Amati foram Girolamo Amati II (1649-1740), Andrea Guarneri (1626-1698), G.B Rogeri (1666-1696), Francesco Ruggieri (1645-1700), Paolo Grancino (1655-1692) e provavelmente também Antonio Stradivari (1644-1737).


Influências entre lutiers
Giovanni Maria Dalla Corna é o provável fundador da Escola de Luteria de Veneza. Na França, as escolas de Luteria aparecem cedo, em Paris por volta de 1550, depois em Mirecourt, Nancy e Lyon. Jacob Stainer (1621-1683, Absan, próximo a Innsbruck, Áustria) aparece como o primeiro grande Lutier da região do Norte dos Alpes. Seu renome chega, em alguns momentos, a ser mais reverenciado que aqueles da Escola de Cremona. H.I Biber, Johann Sebastian Bach, F. Veracini, Locatelli, Leopold Mozart, possuíam violinos Stainer (aquele de Mozart se revela mais tarde ser um exemplar de Klotz, e não de Stainer como se acreditava).

É um fato extraordinário que três instrumentos da família Mozart tenham sido conservados. Um deles, atribuído a Aegidius Klotz, possui uma falsa etiqueta de Stainer.
Ainda em 1774, um certo Löhlein assinala que os violinos de Stainer e de Amati com seus timbres parecidos com o de uma Flauta, são preferidos em relação aos construídos por Stradivari. Infelizmente, Stainer não teve alunos diretos ou companheiros que compartilhassem de sua arte.
Assim, a primeira metade do século XVIII a Luteria de Cremona domina de maneira bastante clara o cenário europeu, sobretudo sob a égide de Antonio Stradivari (1644-1737), que fixa o modelo de violino para todos os seus sucessores. Se a qualidade de seus instrumentos não foi devidamente reconhecida entre os músicos de seu tempo, seria falso concluir que os mesmos não tenham sido apreciados. Ainda em vida, Stradivari gozava de grande reputação em toda a Itália. Mas sem o reconhecimento e toda a importância que alcançaria mais tarde.

Três fases criativas se distinguem na obra de Stradivari: uma em que a influência de Amati se afirma de maneira muita clara; outra, dos modelos “longtemps” (1690-1700); e enfim, seu período de ouro com as magníficas obras da maturidade. Os violinos ornados de marchetaria como o “Hellier” de 1679, são mais raros. Contudo, existem numerosos desenhos e esboços de Stradivari para trabalhos deste gênero. Durante sua longa vida, chegou a produzir aproximadamente 1000 instrumentos. Suas criações representam o apogeu da Escola de Cremona e da arte da Luteria em geral.
Seus filhos Ombone e Francesco, assim como seus alunos, Carlo Bergonzi (1686-1747), Lorenzo Guadagnini (1695-1745), e muitos outros perpetuaram sua tradição.
O mais importante após Stradivari, Giuseppe Guarneri “Del Gesù” (1698-1744) é o último representante da ilustre dinastia, representada por Andrea Guarneri (1626-1698), aluno de Nicola Amati, seus dois filhos Pietro Giovanni (1655-1720) e Giuseppe G.B Guarneri (1666-1739/40), este o último, o pai de Giuseppe “Del Gesù” ( e de Pietro, nascido em 1695, e morto em 1762 em Veneza).

O sobrenome “Del Gesù” aparece por volta de 1726 cuja origem remete a JHS que figurava sobre suas etiquetas (no interior do violino, sobre o fundo, o lutier cola uma etiqueta onde figuram seu nome, a data em que a construção do instrumento foi concluída, bem como o local onde se deu a construção). A reputação de Guarneri não era, em vida, comparável à de Stradivari. Um certo Pugnani foi o primeiro violinista importante a tocar seus célebres violinos, e, após Pugnani ter tocado com o “Cânon” (obra de Guarneri) tem-se preferido frequentemente os Guarnerius aos Stradivarius  devido a sua sonoridade mais potente. Os instrumentos de Guarneri apresentam ainda estrutura mais fina e mais larga que os Stradivarius; uma determinada importância e, às vezes, também um pouco de negligência caracterizam seu aspecto. A obra de Guarneri compreende aproximadamente 200 violinos.
E é preciso dizer que ao lado de todos estes grandes mestres trabalhavam uma quantidade de excelentes “pequenos mestres”...
Nos séculos XVII e XVIII foi possível encontrar lutieres mais ou menos importantes, sobretudo na Itália: Bolonha, Veneza, Roma, Nápoles e Palermo; na Alemanha: Mittenwald (com a família Klotz);e também na Holanda, França, Inglaterra, Noruega, Áustria, República Tcheca e Espanha.

 Declínio

Contudo, a Luteria italiana declina pouco a pouco a partir da segunda metade do século XVIII; as grandes escolas entram em decadência em razão de um trabalho cada vez menos apurado. Esta decadência certamente está ligada ao fim do período barroco, o violino, certamente, é o produto que melhor representa o estilo desta época. Uma onda de racionalização recai sobre as corporações de Lutieres. Surge então a tentativa de se medir os instrumentos a fim de determinar as medidas ideais para sua construção. O processo de fabricação também passa a ser racionalizado através do emprego da divisão do trabalho: elementos isolados passam a ser produzidos por diferentes pessoas, para depois serem unidos ao final do processo de produção. É a partir deste processo, que se segue até o século XX e do qual participam muitos trabalhadores, que se desenvolve a produção industrial (que não permite – e isso pode ser facilmente constatado – que se aplique toda a atenção necessária para se conseguir a qualidade do timbre que é exigida). A primeira fábrica de violinos foi fundada por volta do ano de 1790 em Mirecourt, França, por Didier Nicolas. Em seguida, outras cidades europeias passaram a se dedicar à produção em massa de instrumentos de arcos.

Ainda em 1800, as tentativas de adaptação do violino ao novo estilo não obtém nenhum sucesso, mesmo considerando alguns trabalhos de aperfeiçoamento. Estas tentativas devem ser consideradas como produtos do espírito novo que reina na Europa após a revolução Francesa (1789-1815). Estas tentativas não poderiam se impor, pois o novo contorno proposto para o violino lhe conferia um timbre diferente, que não correspondia ao ideal esperado pelos músicos. De outra parte, o retorno às formas antigas presenciado durante o romântico século XIX logo intervém. A imitação dos estilos de tempos antigos (Neo-Gótico, Velho Estilo Alemão e Neo-Barroco) atingiu seu apogeu.
A partir de então, os lutieres passaram a comprar um grande número de violinos antigos italianos e começaram a especular. Sem distinção, aceitavam tudo que lhes era oferecido, tanto bons instrumentos quanto ruins. Os lutieres em atividade se viram forçados a "envelhecer" seus instrumentos para poder facilitar a venda. Para isso, algumas técnicas começaram a ser adotadas para acelerar o envelhecimento (esfumar a madeira ou utilizar produtos químicos). Em seguida, surge uma série de experiências sobre a aplicação do verniz; com o tempo se multiplicaram as tentativas de encontrar as antigas composições de verniz e colorações. Houve resultados consideráveis sobre pequenas partes, mas jamais sobre todo o corpo do instrumento - uma prova de que a arte de aplicação do verniz depende menos do material do que da mão treinada e do olho conhecedor do lutier.

A evolução perniciosa que segue ao longo do século XIX produz um grande número de imitações e falsificações. Conta-se que J.B Vuillaume copiou o Guarnerius de Paganini tão fielmente que nem o próprio Paganini conseguiu reconhecer o original à primeira vista. Da mesma forma, o Stradivarius chamado "Balfour" se revelou mais tarde ser obra de J.B. Vuillaume.
Estes fatos testemunham o talento que possuíam e possuem certos lutieres modernos. É lamentável que um gênio como Vuillaume tenha se limitado a copiar. Seus Violinos "Vermelhos" típicos estão entre as maiores maravilhas da Luteria. Assim, novas obras-primas aparecem, mas que não passam, na verdade, de cópias ou imitações livres de instrumentos antigos.
Um novo desafio surge ao início do século XX, em decorrência do interesse crescente trazido pela música barroca: como os violinos antigos que não sofreram alterações despareceram completamente, ou pelo menos não existiam mais em número suficiente, passou-se a construir violinos de acordo com a concepção clássica. Tais instrumentos foram apresentados pela primeira vez em 1930.

Ainda hoje, há lutieres que fabricam belos e sólidos violinos de maneira inteiramente artesanal; apesar da existência de procedimentos industriais cujos resultados são frequentemente catastróficos, sob todos os pontos de vista. O violino - instrumento infinitamente complexo - tem necessidade de todo amor de um lutier que saiba aliar a uma longa experiência: paciência, minuciosidade, habilidade e intuição, para que este se torne tudo aquilo que se espera de um instrumento de tão rica evolução...

Imagina isto no seu Casamento


Sempre dá para inovar, Lembre - se que o casamento é seu!
Faça sempre o que você achar que vai fazer com que o dia do seu casamento seja inesquecível para você e os seus convidados.  



Faça deste dia o Dia mais Inesquecível da sua vida!!!

Conte Conos-co!!


Cordas & Acordes
Um toque especial em seu evento!

quarta-feira, 24 de outubro de 2012

Cerimônia de Casamento de Claudio & Fihama - por Cordas & Acordes produções e Eventos Músicais

Cerimônia de Casamento  de Claudio & Fihama
 20/10/2012



local: Assembléia de Deus

Formação
1 - Violino
1- flauta
1- trompete
2- violoncello
1 - teclado
1 - percurção

segunda-feira, 22 de outubro de 2012

música é Saúde



MUSICOTERAPIA CURA DOENÇAS E PROMOVE O BEM-ESTAR

Ouvir uma melodia pode ser um remédio tão eficaz quanto as fórmulas vendidas nas farmácias. A música faz um bem danado para o bem-estar e ainda auxilia no tratamento de muitas doenças -- da asma ao câncer, passando por lesões cerebrais. Tudo cientificamente comprovado.
   
 "A música atinge em cheio o sistema límbico, região do nosso cérebro responsável pelas emoções, pela motivação e pela afetividade", explica Maristela Smith, coordenadora da Clínica de Musicoterapia das Faculdades Metropolitanas Unidas, em São Paulo.
   
Esse é ponto chave da musicoterapia: um método que usa o passado sonoro para tratar males de todo tipo. "Pacientes portadores do Mal de Alzheimer, por exemplo, resgatam aspectos da memória através de canções e sons de rotina", diz a especialista. 
  
 O tratamento é altamente indicado para pessoas que apresentam distúrbios de comunicação (como transtornos da fala e gagueira); de comportamento (como hiperatividade); neurológicos, lesões cerebrais, dislexias. Nem as doenças mentais, como autismo infantil, esquizofrenia e depressão, resistem a uns bons acordes. 
   
  "A musicoterapia trabalha para desenvolver a capacidade de escuta e de convívio social, na medida que a música encontra no indivíduo um canal de comunicação disponível. Por esse acesso, ela começa a abrir novos canais de conexão", define Maristela.   
    
 A terapia com as notas musicais dividi-se em etapas: a musicodiagnóstica, em que são coletados dados relativos à historia pessoal, clínica e sonoro-musical do paciente.
   
  Em seguida, o especialista detalha seus objetivos e submete ao paciente seu plano de ação.Começa, então, a etapa de tratamento em uma sala especial, com acústica adequada. As sessões incluem música e recursos sonoros variados CDs, vozes, instrumentos e até mesmo ruídos.
    
  O especialista avalia a reação do paciente diante de cada som, documenta tudo e vai comparando os resultados com seu projeto inicial.    " Efeitos positivos têm sido verificados logo nas 10 primeiras sessões, principalmente, no que diz respeito ao desenvolvimento da percepção global do paciente", avalia Maristela Smith.
   
      Publicado em por Saúde do Futuro



Música é Saúde


Segundo especialistas, a música pode ajudar no tratamento da dor na recuperação pós-cirúrgica, reabilitação de pessoas com seqüelas de derrame cerebral e de dores crônicas.

A música é usada para tratar doenças desde a Antiguidade, mas os primeiros artigos sobre os efeitos dela no corpo humano foram publicados apenas no século XVIII. Desde então o assunto vem sendo estudado no meio científico, mas sem grandes descobertas.

Hoje em dia já se sabe que melodias agradáveis induzem a liberação de substancias no corpo que causam sensação de prazer e bem estar. Mas aparentemente ainda existe muito para ser estudado sobre o efeito da música nas pessoas.

 
A música no tratamento de vítimas de derrame cerebral

Recentemente foi descoberto por um grupo de neurocientistas da Universidade de Helsinki na Finlândia, que até mesmo vítimas de derrames cerebrais podem ser beneficiadas com o uso de melodias. Ao constatarem que elas estimulam o sistema nervoso das pessoas, eles perceberam que a música ativa várias áreas do cérebro simultaneamente, até mesmo aquelas danificadas pelo derrame, acelerando o processo de recuperação.

A descoberta foi feita através de um experimento relativamente simples. Cerca de 60 pacientes que haviam tido um derrame foram separados em 3 grupos. O primeiro foi orientado a escutar música, o segundo a escutar livros gravados em fita e o terceiro recebeu apenas o tratamento comum.

Depois de três meses de experimento os especialistas perceberam que a memória verbal do grupo que escutou música melhorou 60%. Já os que escutaram livros gravados 18% e 29% dos que estavam apenas fazendo o tratamento tradicional.

Também a habilidade de resolver conflitos foi diferente entre os grupos. Não houve evolução no segundo e no terceiro, mas no dos pacientes que escutaram música regularmente houve uma melhora de 17%.

Com resultados tão expressivos, o experimento comprova que escutar música no tratamento das seqüelas de um derrame pode ajudar na recuperação do paciente e prevenir a depressão.

 
A música ajudando a aliviar as dores crônicas

Além do derrame, também as dores crônicas são tratadas com música. Uma pesquisa feita em 2006 nos Estados Unidos pela instituição “Cleveland Clinic Foundation”, descobriu que pacientes tratados com melodias tiveram uma redução 21% maior nas suas dores que os que não ouviam música.

A maioria das 60 pessoas que participaram do experimento relatou que a dor que sentiam antes da musicoterapia atingia várias partes do corpo e era ininterrupta. Todos tinham doenças como a osteoartrite, problemas de hérnia de disco e artrite reumática há mais de 6 anos.

 
A música como analgésico na recuperação pós-cirúrgica

Essa descoberta se relaciona diretamente com um estudo feito por um residente médico de Harvard, Claudius Conrad. Nele, o residente sugere que a música pode exercer efeitos sedativos e até mesmo a cura por meio da estimulação de um hormônio.

No último mês de dezembro, Conrad publicou um artigo no jornal “Critical Care Medicine”, que revela uma resposta fisiológica à música em pacientes que estavam em tratamento pós-cirúrgico. Ao escutarem Mozart depois que o efeito dos sedativos não agia mais, eles tiveram um tipo de aceleração no hormônio pituritário de crescimento, que é determinante para acura de enfermidades.

A conseqüência disso foi uma redução na pressão sanguínea e nos batimentos cardíacos dos pacientes. Além disso, houve uma menor necessidade deles usarem analgésicos e houve uma queda em alguns dos principais hormônios ligados ao estresse.

Considerando que todas essas descobertas ainda são muito recentes para os parâmetros científicos, a música ainda interpreta um papel coadjuvante na ciência e no tratamento de doentes. Apesar disso, tudo indica que os pesquisadores ainda aprenderão muito com as melodias.

 

Fonte: Banco de Saúde

Matriculas Abertas!!

Matriculas Abertas!!

 


domingo, 30 de setembro de 2012

Música Erudita (Música Clássica)


Música Erudita (Música Clássica)

 Este artigo é sobre o gênero musical também conhecido como "música erudita". Para período da história da música no século XVIII conhecido como classicismo, veja Periodo Clássico.



Música clássica ou música erudita é o nome dado à principal variedade de música produzida ou enraizada nas tradições da música secular e litúrgica ocidental, que abrange um período amplo que vai aproximadamente do século IX até o presente, e segue cânones preestabelecidos no decorrer da história da música. As normas centrais desta tradição foram codificadas entre 1675 e 1900, intervalo de tempo conhecido como o período da prática comum.
Segundo o Dicionário Grove de Música, música erudita é música que é fruto da erudição e não das práticas folclóricas e populares. O termo é aplicado a toda uma variedade de músicas de diferentes culturas, e que é usado para indicar qualquer música que não pertença às tradições folclóricas ou populares.
A música ocidental distingue-se de outras formas de música, principalmente, por seu sistema de notação em partituras, em uso desde o século XVI. O sistema ocidental de partituras é utilizado pelos compositores para prescrever, a quem executa a obra, a altura, a velocidade, a métrica, o ritmo e a exata maneira de se executar uma peça musical. Isto deixa menos espaço para práticas como a improvisação e a ornamentação ad libitum, que são ouvidas frequentemente em músicas não europeias (ver música clássica da Índia e música tradicional japonesa) e populares. O gosto do público pela apreciação da música formal deste gênero vem entrando em declínio desde o fim do século XX, marcadamente nos países anglófonos Este período viu a música clássica ficar para trás do imenso sucesso comercial da música popular, embora o número de CDs vendidos não seja o único indicador da popularidade do gênero Oposto aos termos música popularmúsica folclórica ou música oriental, o termo "música clássica" abrange uma série de estilos musicais, desde intricadas técnicas composicionais (como a fuga) até simples entretenimento (operetas) O termo só apareceu originalmente no início do século XIX, numa tentativa de se "canonizar" o período que vai de Bach até Beethoven como uma era de ouro.[11] Na língua inglesa, a primeira referência ao termo foi registrada pelo Oxford English Dictionary, em cerca de 1836. Hoje em dia, o termo "clássico" aplica-se aos dois usos: "música clássica" no sentido que alude à música escrita "modelar," "exemplar," ou seja, "de mais alta qualidade", e, stricto sensu, para se referir à música do classicismo, que abrange o final do século XVIII e parte do século XIX.

segunda-feira, 6 de agosto de 2012

Aniversário de 15 Anos de Yasmin - 02/08/2012 - Clube dos Oficiais do 51 BIS - Cordas & Acordes Produções e Eventos Musicais

Aniversário de 15 Anos de Yasmin - 02/08/2012 - Clube dos Oficiais do 51 BIS -
 Cordas & Acordes Produções e Eventos Musicais

Um Toque Especial Em Seu Evento

Casamento - Fabiana e Edielson - 28/07/2012 - AMBAJI - Cordas & Acordes Produções e Eventos Musicais

Casamento - Fabiana e Edielson - 28/07/2012 - AMBAJI -
 Cordas & Acordes Produções e Eventos Musicais



Violino
Violoncello - Alex
Flauta - Maycon
Trompete I - Marcos Filipe
Trompete II - Diego
Teclado - Eder
Percursão - Ediermesson

Maycon - Flauta Transverssal

A Flauta Transverssal, enriquece a Melodia Tornando a Musica mais Doce, Mais Romântica. Na Marcha Nupcial de Mendelssonh, Ou Nas Demais Marchas, A flauta Preenche a Harmonia Junto com os Violinos Não deixando o Trompete sobressair Alem do Necessário, Mantendo o Equilíbrio entre Todos Os Instrumentos . 


Ediermesson - Percursão

A Percursão é Indispensáve Principalmente Nas Marchas (As Marchas São Mais Apropiadas Para as Entradas Da Noiva e Do Noivo - Marcha Nupcial -Mendelssonh, Allahornpipe -Handel, Pomp end Circustance - Eduard Elgar e Outras) . Estas Sem Os Pratos, Caixa e Tambores não teriam O Mesmo Resultado de Reação Causada nos Convidados. Sendo Principalmente a Entrada da Noiva A Mais Marcante Exige Uma Ênfase Maior, Uma Emoção Maior,Sendo Assim Uma Música de Pompa é Indispensável a Percursão.




quinta-feira, 2 de agosto de 2012

Casamento - Laila & Otaniel - 21/07/12 - Corda & Acordes Produções e Eventos Musicais

Casamento - Laila & Otaniel - 21/07/12 - Corda & Acordes Produções e Eventos Musicais


Violino - Adriano Alberge
Violoncelo - Alex
Flauta Transverso - Maicon
Percurção - Branco
Violão e baixo - Elienai
Tompete l -Filipe
Tompete ll - Silas
Trombone - Tiago
Teclado - Eder

MUSICAS

Padrinhos
Can you Feel the love tonight (Rei Leão)

Noivo
Bealtful day - U2

Florista
Over de Rainbow (Magioco de Oz)

Noiva
Pompa e circunsância - Eduard Elgar

Daminha Alianças
Amar você - Fernanda Brum - Cantado

Assinaruras, Cumprimentos
Unchained Melody (Ghost )
Como é grande o meu amor por Você(Roberto Carlos)

Saida
Viva la Vida - Coldplay





Decoração & buffet



sexta-feira, 20 de julho de 2012

Cerimônia de Casamento 07/07/2012 - Cordas & Acordes Produções e eventos Musicais

Cerimônia de Casamento 07/07/2012 - Cordas & Acordes Produções e eventos Musicais - 
Paróquia Brasilia




Formação
Violino
Cello
Trompete
Trombone de Vara
Flauta Transversal
Teclado
Vozes


Cerimônia de Casamento - 06/07/2012 - Cordas & Acordes Produções E Eventos Musicais.

Cerimônia de Casamento - 06/07/2012 - Cordas & Acordes Produções  E Eventos Musicais
Pablo & Adileida.




Formação
Violino
Cello
Trompete I
Trompete II
Teclado
Vozes